Alberto Manuel Rodríguez Gallego González de Mendoza, bonaerense del barrio de Belgrano y pionero entre los argentinos que triunfaron en las salas de cine españolas, ha fallecido este lunes a los 88 años en la madrileña Clínica de la Luz, donde llevaba varios días internado por una insuficiencia respiratoria.
Protagonista de cerca de 200 películas, despuntando como galán del cine español de los sesenta, ha compartido romances en la gran pantalla con actrices como Carmen Sevilla o Sara Montiel. El 1 de diciembre había estrenado con gran éxito en Buenos Aires su último trabajo, el abuelo protagonista de 'La mala verdad', una cinta de Miguel Ángel Roca que en el último Festival de Málaga le valió el premio al mejor actor en la sección iberoamericana. Entre sus últimos trabajos también destaca el de un hombre mayor y enfermo que interpretó en la película ‘Tapas’ de José Corbacho y Juan Cruz, un papel que él definió como “simpático y cortito” y con el que las nuevas generaciones lo redescubrieron.
Hijo de andaluz y vasca, huérfano a los cinco años, al pequeño Alberto "le mandaron a vivir" a Madrid, donde se enamoró del séptimo arte en las butacas del cine Argüelles y del teatro, cuando se colaba a ver las zarzuelas en el Lara, recuerda la asociación de Artistas e Intérpretes Sociedad de Gestión (AISGE), encargada de anunciar el fallecimiento del actor
No le importaba esa fama sobrevenida como octogenario con un personaje secundario. "No conozco envidias ni frustraciones. Empecé de soldado y llegué a teniente general. No me siento sabio; solo escéptico y experimentado, porque he vivido intensamente", relataba en el verano de 2006 en una entrevista para la revista de la Fundación AISGE.
“Sueño con decir chau, me voy, poner un tango y tener una muerte alegre. Estuve internado dos veces por taquicardia, y vi alrededor el sufrimiento: no lo quiero, Dios mío. De morirme no tengo miedo, porque nacemos para eso, ¿no? Plantás un árbol, tenés un hijo, amás. La vida no es mucho más. Ahora, ¿quién me asegura que voy a llegar bien a los 90? Todavía no me hago pis encima, mi cabeza funciona... Pero el organismo se oxida, y la decadencia del cuerpo es terrible”. Alberto de Mendoza hablaba de la muerte como hablaba de todo: de frente y con sentido del humor.
Alberto de Mendoza ha sido incinerado hoy en el cementerio de la Almudena. Se confesaba "escéptico" y reflexionaba así sobre el tránsito final: "La vida es un camino hacia la nada. Cuando te das cuenta de que se termina, todo adquiere una importancia muy relativa. Me conformo con no hacer mal a nadie y vivir con dignidad".
En su caso, además, deja el legado indeleble de títulos como 'El retrato'(1947), 'Barrio gris' (1954), 'La chica de Via Condotti' (1973), 'Cazar a un gato negro', 'El infierno tan temido', 'La máscara de Scaramousche', 'La joven casada' (de Mario Camus), 'Luna de octubre', 'Tú y yo somos tres' o 'Tierra de gigantes', entre muchísimos otros títulos.
La Academia de Cine Europeo ha reconocido una vez más la excelencia de las producciones cinematográficas europeas con la 24ª edición de los Premios de Cine Europeo (‘European Film Awards’). 'Melancolía’ de Lars Von Trier ha sido seleccionada como mejor película en una gala basada en la defensa de Europa.
El enorme Tempodrom de Berlín fue el escenario escogido por la organización para celebrar la gran fiesta del Cine Europeo. La vencedora de la noche fue ‘Melancolía’, el film apocalíptico de Lars Von Trier que se ha hecho con tres premios que han anulado su hasta entonces indiscutible liderazgo: Mejor película, fotografía y producción.
Además, la Academia europea ha dado su apoyo a dos películas ya un poco olvidadas que consiguieron importantes premios de Hollywood. ‘El discurso del rey’ (cuatro oscar), dirigida por Tom Hooper, ha conseguido dos premios oficiales (actor para Colin Firth y montaje) más el del público, y la también danesa Susanne Bier ha obtenido el galardón a la mejor dirección por ‘En un mundo mejor’. Una de las favoritas de la noche, el filme ‘The Artist’ de Michel Hazanavinicius, solo se ha llevado a casa el galardón a la mejor música, de las cuatro candidaturas con las que partía.
El premio a la mejor actriz recayó en la madre atormentada de ‘We Need to Talk About Kevin’, encarnada por Tilda Swinton, quien, como Firth, no pudo asistir en persona.
La cinta española ‘Cico y Rita’, de los cineastas Fernando Trueba y Tono Errado, y del diseñador gráfico Javier Mariscal, se alzó con el galardón a la Mejor Película de Animación, imponiéndose a la francesa 'Le Chat the Rabbin', de Antoine Delesvaux y Joann Sfar, y a la franco-belga 'Une Vie de Chat', de Jean-Loup Felicioli y Alain Gagnol.
Ha sido una gala en la que el cine ha plantado cara a la crisis política de Europa y ha dado una lección de unión e integración. La ceremonia se ha convertido en un clamor reivindicativo del cine y la literatura frente a la crisis de valores que vive el viejo continente y en una decidida defensa de la idea de Europa. Lo dijo el cineasta alemán y presidente de la Academia de Cine Europeo, Wim Wenders en su discurso de bienvenida. "La Europa del cine y la cultura no es la de los banqueros y los políticos. La separación no es la solución, sí lo es la integración, la solidaridad y la democracia", aseguró el director. En la misma línea política se pronunció el cineasta Volker Schlöndorff, director de ‘El tambor de hojalata’, que aseguró que Europa es una realidad y no un proyecto político. "Ningún país va a condicionar la libertad de expresión de este continente", añadió Schlöndorff.
JANE EYRE. Nada más nacer en 1847 de la pluma de Charlotte Brontë, la historia de la joven y romántica rebelde se convirtió en un enorme éxito tanto de público como de crítica. La innovación en la forma de pensar de su protagonista supuso un soplo de aire fresco y renovado para la puritana sociedad victoriana de Inglaterra. Hasta tal punto llegó su influencia que algunos la han definido como una precursora del feminismo. Pero poco podía imaginar la autora que esa celebridad traspasaría la dura barrera del paso del tiempo y que Jane Eyre se convertiría en un clásico irremplazable de la literatura del Romanticismo. Y del cine: hoy se estrena ladecimocuarta versión de la obra de Brontë, con buenas perspectivas de convencera la crítica.
En esta historia enmarcada en el siglo XIX, Jane Eyre (Mia Wasikowska) huye súbitamente de Thornfield Hall, la vasta y apartada hacienda donde trabaja como institutriz de Adèle Varens, la niña bajo la custodia del intimidatorio amo de Thornfield, Edward Rochester (Michael Fassbender).
LA CONSPIRACIÓN. Tras el asesinato de Abraham Lincoln, ocho personas son detenidas por conspirar para matar al presidente. La única mujer que se encuentra entre ellos, Mary Surratt (Robin Wright Penn), regenta una pensión donde el autor del magnicidio John Wilkes Booth (Toby Kebbell) y sus cómplices se reunieron y planearon los asesinatos simultáneos. Mientras Washington se recupera de las heridas de la Guerra Civil, el abogado Frederick Aiken (James McAvoy) accede a regañadientes a defender a Surrat ante un tribunal militar. Sin embargo, el joven abogado sospecha que su defendida podría ser inocente, y que está siendo utilizada como señuelo y rehén para capturar a su propio hijo, John (Johnny Simmons).
Robert Redford vuelve a ponerse detrás de la cámara tres años después de ‘Leones por corderos’ (2007). Se trata del octavo filme que dirige, y lo hace proponiendo un thrillerhistórico que indaga en las sombras de uno de los sucesos más célebres en la historia de los Estados Unidos.
IN TIME. ‘In Time’ es un triller de ciencia-ficción firmado por Andrew Niccol, su cuarto largometraje después de ‘Gattaca’ (1997), ‘Simone’ (2002) y ‘El señor de la guerra’ (2005). Nominado al Oscar en 1999 por el guión de ‘El show de Truman’ (1998), Niccol se ha especializado en la descripción de nuevas antiutopías con evidentes paralelismos con la realidad actual.
En el futuro, el tiempo es la moneda con la que se realizan transacciones, el bien más preciado que se roba y hereda teniendo en cuenta que puede detener el proceso de envejecimiento a los 25 años. Así, la única manera de seguir vivo es conseguir más tiempo a cualquier precio, y en esa coyuntura son las clases más favorecidas las que lo obtienen sin ningún problema mientras que los demás deben resignarse a morir. Will Salas (Justin Timberlake) es uno de esos hombres del pueblo llano que vive su vida minuto a minuto, hasta que una inesperada ganancia de tiempo le permite acceder al mundo de los ricos. Una vez dentro, se aliará con una joven y guapa heredera (Amanda Seyfried) para intentar destruir la corrupción del sistema.
RESTLESS. Lo Nuevo de Gus Van Sant cuenta la historia de Annabel Cotoon (Mia Wasikowska), una chica que sufre un cáncer terminal, pero que sigue empeñada en disfrutar de la vida. Enoch Brae (Henry Hopper) parece haber renunciado a la vida tras la trágica muerte de sus padres. Cuando los destinos de estos outsiders se entrecruzan durante un funeral, surge para ellos la posibilidad del amor y el sosiego.
FUGA DE CEREBROS 2. En la secuela de una de las comedias más exitosas del cine español reciente, Alfonso (Adrián Lastra), hermano pequeño de Emilio (Mario Casas), el desdichado protagonista de ‘Fuga de Cerebros’ (Fernando González Molina), también se enamora irremediablemente de la chica de sus sueños. Sin embargo, todo parece truncarse cuando esta anuncia que se marcha a Harvard a estudiar. Alfonso, dispuesto a no rendirse, moviliza a los mismos amigos que pusieron patas arriba Oxford y se lanza a una aventura universitaria en la que caben todo tipo de catástrofes y despropósitos en el camino de conseguir el anhelado amor y/o sexo.
Carlos Therón, salta al largometraje recogiendo el testigo de Fernando González Molina y esperando cosechar los mismos resultados en taquilla. Y aunque no se trate del tipo de cine que entusiasme a la crítica, tiene todos los ingredientes para que siga los pasos de su antecesora: humor patrio de trazo gordo y amigos en busca de su propia juerga universitaria a lo ‘American Pie’ y tantas otras comedias universitarias y de high school.
ACERO PURO. Una estremecedora película de acción dirigida por Shawn Levy, ambientada en un futuro cercano en el que el boxeo se ha transformado en un deporte de alta tecnología. Hugh Jackman encarna a Charlie Kenton, un boxeador fracasado que pierde la posibilidad de ganar un título cuando poderosos robots de 90 kilos y más de dos metros de altura comienzan a competir. Convertido en un promotor de poca monta, Charlie sobrevive ensamblando robots de bajo costo, a los que apunta en peleas del circuito amateur. Finalmente, cuando esta situación toca fondo, Charlie se asocia con su casi desconocido hijo Max (Dakota Goyo) para construir y entrenar a un auténtico robot campeón. A medida que suben las apuestas en la brutal arena en la que todo vale, Charlie y Max, contra todos los pronósticos, tendrán una última oportunidad de triunfar.
UN MÉTODO PELIGROSO. ¿Por qué negar aquello que más deseas?. Con ese interrogante, llega a los cines una película que muestra el lado más desconocido de Sigmund Freud. ‘Un método peligroso’ es, no sólo el estreno más destacado de la semana, sino también uno de los más prometedores de este otoño.
Basada en la novela ‘A most dangerous method’ de John Kerr y en la obra de teatro ‘The talking cure’, de Christopher Hampton, cuenta una historia de descubrimiento sexual e intelectual en los albores de la I Guerra Mundial, basada en acontecimientos reales y a partir de la turbulenta relación entre el joven psiquiatra Carl Jung (Michael Fassbender), su mentor Sigmund Freud (Viggo Mortensen) y Sabina Spielrein (Keira Knightley). A este trío se añade Otto Gross (Vincent Cassel), un paciente libertino decidido a traspasar todos los límites. Esta exploración de la sensualidad, de la ambición y del engaño llega a su momento cumbre cuando Jung, Freud y Sabina se reúnen antes de separarse definitivamente y acabar cambiando la dirección del pensamiento moderno.
Viggo Mortensein repite por tercera vez a las órdenes de David Cronenberg, director de este drama histórico. “Freud siempre quiso nombrar las cosas ocultas de uno y Cronenberg es un cineasta que bucea en zonas que muchos consideran desagradables, inquietantes, en el lado más oscuro de la condición humana”. El actor también ha reconocido que “interpretar a Freud ha sido, hasta la fecha, el mayor desafío de mi carrera”. ‘Un método peligroso’ permite comprobar que, en la trayectoria del director todo es tensión entre carne y psique,entre deseo y razón.
EL GATO CON BOTAS. El secundario más carismático de la saga Shrek salta en solitario a la pantalla grande de la mano de Chris Miller. El simpático minino ha subrayado el buen lugar que Antonio Banderas, quién le da voz al protagonista en la versión original, ocupa en Hollywood. Salma Hayek lo acompaña como su alter ego femenina.
Mucho antes de que conociera al entrañable ogro verde, el conocido espadachín, amante y fuera de la ley Gato con Botas se convierte en un héroe al emprender una aventura junto a la dura y espabilada Kitty Zarpassuaves y el astuto Humpty Dumpty para salvar a su pueblo. Complicándoles las cosas por el camino están los infames forajidos Jack y Jill, que harán cualquier cosa para que Gato y su banda no lo consigan.
En esta ocasión, Miller ha apostado más que nunca por la fórmula comedia+acción, tal y como se infiere de la descripción que Guillermo Del Toro, voz del comandante, hace del filme: “Es una película enorme con enormes secuencias de acción, muchas aventuras, estupenda comedia y una rica y colorista fantasía, llena de imaginación y de inventiva. Creo que es un auténtico festín en sí misma. No se trata solamente de un derivado, es su propio y absoluto mundo”. . Además, está ideada para el InTru 3D, es decir, las tres dimensiones estereoscópicas que aseguran el espectáculo y prometen ingentes beneficios en taquilla.
MERCADO DE FUTUROS. El documental también tiene lugar en las carteleras de esta semana. La directora Mercedes Álvarez presenta ‘Mercado de futuros’, su segundo largometraje después de 'El cielo gira' que aborda la fiebre del sector inmobiliario. Álvarez es una realizadora dada a las polémicas como demostró con su primer documental con el que ganó el premio del Festival de Málaga, llevándose el galardón de Mención Especial del Jurado. Ahora con ‘Mercado de Futuros’, vuelve a poner el dedo en la llaga sobre un tema comprometido.
La destrucción de una casa, de los recuerdos que conlleva y todo lo que contiene es la manera que tiene de comenzar el documental ‘Mercado de futuros’, en donde se pretende dar un punto de vista crítico del boom inmobiliario, surgido en los años 90, causante en gran medida de la crisis actual. También repasa los vaivenes interesados de la bolsa, las promesas sin sentido de los gurús empresariales y la corrupción urbanística-especulativa reinante en la mayor parte de las localidades españolas.
LA PUERTA DE NO RETORNO. Y otro documental español demuestra el auge del género en nuestro país. Se trata del nuevo trabajo de Santiago A. Zannou, ganador de un Goya a la mejor dirección novel por ‘El truco del manco’. En su opera prima, interpretada por actores no profesionales, Zannou narraba la historia de Enrique Heredia, El Cuajo, un buscavidas payo agitanado con medio cuerpo afectado por una parálisis cerebral que le impide andar con facilidad. Pero en esta ocasión el director madrileño relata una historia que le toca muy de cerca. Su padre, Alphonse Zannou, decide regresar a su país, Benin, después de 37 años para enfrentarse con su pasado. Después de muchos años de silencio y olvido, decide viajar de vuelta al punto de partida, a su tierra natal en busca del reencuentro, del perdón, de la reconciliación…Con su familia y consigo mismo. En definitiva, el regreso a África supone una agridulce y catártica mezcla de sensaciones.
Santiago A. Zannou desgrana las intenciones de su tercer largometraje. “Como hijo de inmigrante quiero enfrentar a mi padre con un pasado que durante tantos años nos ha escondido y recuperar un orgullo que tantas veces ha sido pisado, como el de muchos inmigrantes. Para mí, ‘La Puerta de No Retorno’ es una historia de superación sin miedo a esconder que ha terminado en fracaso. Una historia contada desde dentro a través de mi propio padre”.
Una semana, más, las salas de cine reciben las novedades del séptimo arte. ‘Un dios salvaje’, la última genialidad de Roman Polanski, y ‘Amanecer’, la penúltima parte de la taquillera saga ‘Crepúsculo’, son las que más están dando que hablar. Pero hay vida más allá de ellas. ‘Medianeras’, un film hispano-argentino, ha enamorado a la crítica y al público que ha podido disfrutar de él.
UN DIOS SALVAJE. Más allá de su calidad, que muchos han alabado ya, ‘Un dios salvaje’ tiene dos alicientes para ser un éxito en las salas de cine. Por un lado, sus protagonistas, encabezados por el reparto femenino: Kate Winslet y Jodie Foster. Por el otro, la figura de su director, Roman Polanski, ganador de un Oscar, un Globo de Oro, un Goya y una Palma de Oro por ‘El Pianista’, y nominado a esos premios en varias ocasiones por otras de sus películas.
‘Un dios salvaje’ cuenta la historia de una pareja de americanos (John C. Reilly y Jodie Foster) que reciben en su piso de Brooklyn a un matrimonio europeo (Christoph Waltz y Kate Winslet) para discutir acerca del altercado ocurrido entre los hijos de ambas parejas. Lo que empieza como una educada charla entre adultos responsables irá degenerando en una disputa cada vez menos civilizada. La crueldad, la furia y los prejuicios sociales manan violentamente entre las cuatro paredes.
Se trata de una adaptación de la obra de teatro ‘Le dieu de Carnage’, de la autora francesa Yasmina Reza, representada en escenarios de París, Londres y Broadway. La cinta tiene la particularidad de que está rodada en tiempo real, bajo deseo expreso de Polanski. Es decir, que esta adaptación respeta el ritmo dramático de la obra teatral y se traduce en 79 minutos de metraje donde la acción se desarrolla en un único decorado y sin interrupciones.
Tras su paso por la Mostra de Venecia con una buena acogida y ganarse el favor de la crítica, ‘Un dios salvaje’ llega a las pantallas españolas como estreno especialmente recomendado para seguidores de la filmografía de Roman Polanski y amantes del cine de acción dialéctica.
CREPÚSCULO: AMANECER. También llega a las pantallas españolas la penúltima entrega de la saga ‘Crepúsculo: Amanecer’. Bella (Kristen Stewart) y Edward (Robert Pattinson) han sellado su amor imposible con una boda forestal de lujo. Pero lo de vivieron felices y comieron perdices no va con ellos: el embarazo de la chica provocará una serie de reacciones y ataques en el universo de vampiros y licántropos.
‘La saga Crepúsculo: Amanecer- parte I’ continúa con las andanzas de Bella Swan y su amado vampiro Edward. Se trata de la cuarta entrega de la saga creada por Stephanie Meyer.
El ganador de un Oscar, Bill Condon (‘Dreamgirls’), dirige tanto ésta parte como la siguiente de la saga Crepúsculo, siguiendo el guión adaptado de Melissa Rosenberg que ya ha escrito los anteriores libretos que se han llevado al cine. Condon ha declarado con motivo del estreno de ‘Amanecer’: “sólo estoy deseando que la gente la vea. Hay cosas muy buenas, como por ejemplo el colofón con los Volturi. Es sólo una muestra de lo que vendrá al final de la película en comparación con el comienzo”
MEDIANERAS. Dos personajes urbanos, llenos de manías y soledad, son los protagonistas de la coproducción hispano-argentina ‘Medianeras’, protagonizada por Pilar López de Ayala. Con ecos de la célebre obra de Woody Allen ‘Manhattan’ (de la que, incluso, se incluyen algunas escenas), la película muestra la vida de dos personajes en Buenos Aires.
"Ha sido una experiencia maravillosa y sorprendente", explicó López de Ayala en la presentación de la película en la Seminci Valladolid, sobre todo por no elegir Gustavo Taretto, el director, a una actriz argentina. La película, que se ha llevado la primera ovación del festival, se basa en un cortometraje premiado en más de 40 festivales internacionales, y viene avalada por los cuatro meses de proyección ininterrumpida en una sala de París.
Martín (Javier Drolas) se está recuperando de una fobia, y poco a poco se atreve a salir de su piso. Mariana (Pilar López de Ayala), que vive en el edificio de enfrente, acaba de romper una relación. Los dos se cruzan cada día, pero no se conocen de nada. Sus caminos se cruzan sin que sepan el uno del otro. Ella sube una escalera y él la baja. El sube a un autobús y ella baja. Siempre coinciden en el mismo videoclub, pero separados por una estantería de películas. ¿Y en el cine? Los dos se sientan en la misma fila pero la sala está a oscuras. En definitiva: La ciudad los une y a la vez los separa.
LOS MUERTOS NO SE TOCAN, NENE. El cineasta italiano Marco Ferreri y el guionista y escritor español, Rafael Azcona, rodaron las películas 'El Pisito y 'El Cochecito', pero nunca consiguieron terminar la trilogía. La película llega a las pantallas como homenaje póstumo Azcona de parte sus amigos el productor Juan Gona y los cineastas José Luis García Sánchez y David Trueba que, a modo de distinción a uno de los mejores cineastas españoles, terminan el guión iniciado previamente por el guionista.
En 'Los Muertos no se Tocan, nene', la muerte de un prócer local crea una doble expectativa en su familia, que llegue pronto el televisor que compró el finado y que el alcalde asista al velatorio. Su biznieto Fabianito (Airas Brispo) será testigo de situaciones esperpénticas.
Un filme tan peculiar como este, rodado en blanco y negro, con sonido enlatado y diálogos doblados, no podía haber elegido otra manera de comercilizarse que con unas cuantas copias (una decena aproximadamente), como en los viejos tiempos, más como si de una obra de teatro se tratase.
"Si algún escritor realista merece ser visitado por el cine, ese es Rafael Azcona, el mejor literato que ha prestado su talento para hacer películas españolas. Es, por tanto un acto de estricta justicia el llevar este proyecto adelante. Y, además de justo con el genial novelista, es oportuno para recrear una época tan desconocida como es el final de los años cincuenta. Será maravilloso poder volver a ver cómo funcionaban los molinillos del café, el cigarrillo de petaca, la cocina de astillas, los primeros televisores, las radios del ojo mágico, el sifón encima de la mesa camilla..." afirma García Sánchez.
ASESINOS DE ÉLITE. El último estreno destacado de la semana cumple con todos los estereotipos del cine de acción hollywoodiense: los tipos duros vestidos con cazadoras de cuero. Los (muchos) efectos especiales. La adrenalina. La testosterona. Las armas. Los golpes. La historia.
Danny (Jason Stahman) es uno de los agentes de operaciones especiales más hábiles, ex miembro de los Navy Seal y un auténtico profesional en lo suyo que ahora se encuentra en un exilio autoimpuesto. Todo cambia, sin embargo, cuando es obligado a abandonar ese retiro para afrontar una misión casi imposible: rescatar a su antiguo mentor y socio Hunter (Robert De Niro). Para ello, Danny reúne a su viejo equipo de agentes de élite y se dispone a hacer frente a una célula de soldados renegados liderada por el peligroso Spike (Clive Owen), antes de que sus acciones provoquen un conflicto internacional.
Ambientada en los años 80 y con una violencia vocacionalmente realista, ‘Asesinos de élite’, del director Gary McKendry, alcanzó un tercer puesto de la taquilla estadounidense, y hasta la fecha ha recaudado un global de unos 36 millones de dólares. Pero aún está lejos, muy lejos de su abultado presupuesto.
El cineasta español es uno de nuestros directores más internacionales. El sello Almódovar es reconocido lejos de nuestras fronteras. Y, a pesar de que su obra está más que consolidada en la férrea industria estadounidense, muestras como las que le concedió ayer la Gran Manzana son las mejores declaraciones de que su filmografía levanta pasiones allá donde va.
El Museo de Arte Moderno de la de Nueva York, MoMa, emblema de la ‘ciudad que nunca duerme’, le rindió ayer un homenaje al realizador español, subrayando su carrera artística internacional con una gala benéfica a la que asistieron numerosas celebridades, como el modisto Karl Lagerfeld, la directora de la edición norteamericana de ‘Vogue’, Anna Wintour, la diseñadora Diana Von Furstenberg, o artistas como Alicia Keys, Drew Barrymore, Jessica Hart, Blake Lively, Sarah Jessica Parker, Lili Sobieski, Emma Stone o Uma Thurman, entre otros.
Almodóvar, ganador de dos Oscar por ‘Todo sobre mi madre’ (1999) y ‘Hable con ella’ (2002) protagonizó la cuarta edición de la gala benéfica del museo. "Estoy muy emocionado. Hace 28 años que pusieron aquí (en el MoMA) por primera vez una película mía. Me siento muy orgulloso de que me descubrieran. Es maravilloso estar aquí", declaró el cineasta. El director se suma así a otros directores como Kathryn Bigelow (‘En tierra hostil’) que recibió ese reconocimiento del museo en 2010 el año pasado, Tim Burton (‘Eduardo Manostijeras’) y el australiano Baz Luhrmann (‘Moulin Rouge’), que lo fueron en 2009 y 2008, respectivamente.
Pedro Almodóvar, nacido hace 62 años en la localidad castellano-manchega de Calzada de Calatrava, destacó también los mensajes de vídeo enviados por Penélope Cruz y Antonio Banderas, dos de sus actores preferidos, que debían copresentar el evento. Finalmente, y aunque no pudieron trasladarse a Nueva York por motivos de trabajo, Almodóvar los tuvo presentes. "No sabía que no iban a venir. Son los actores que aquí más me conocen, y de alguna manera era natural que fueran ellos. Me he emocionado mucho", dijo el cineasta sobre las palabras de cariño, amistad y respeto que Banderas y Cruz le dirigieron.
El conservador jefe del departamento de cine del MoMa, Rajendra Roy, también elogió la obra del cineasta. "Es un artista en lo más alto de la cima, asumiendo riesgos y dispuesto a cambiar de dirección. El resultado es un trabajo extraordinario y muy maduro". Roy también agregó que el cineasta español se adecuaba al perfil de otros directores a los que el MoMA ha premiado en años anteriores, y que "encaja perfectamente" por su vinculación al museo y a Nueva York, en donde, desde su debut en EE.UU. en 1984 con '¿Qué he hecho yo para merecer esto?', sus películas han sido proyectadas en varias ocasiones.
Han sido 150 proyecciones las que han pasado por esta edición del Festival de Cine Europeo de Sevilla. Una semana grande para la capital hispalense. Y aunque se han proyectado una gran variedad de títulos, han desfilado numerosas caras conocidas del séptimo arte, y el público ha podido disfrutar de todos los géneros cinematográficos, en la edición de este año destaca un título por encima de los demás: ‘Siempre Feliz’. Un largometraje que se ha ganado el premio a la Mejor Película, en palabras del jurado, "por mostrar un retrato de la Europa contemporánea a través de la vida de gente ordinaria, por contar una historia edificante y sutil sobre seres humanos y por celebrar el amor y la calidez en las relaciones humanas como el pegamento que mantiene todo unido".
Kaja, la protagonista del filme, es una eterna optimista. Sin embargo, el hombre con el que vive prefiere ir de caza con los amigos y rehúsa hacer el amor con ella. Cuando se mudan a la casa de al lado, Kaja deberá seguir esforzándose para seguir sonriendo.
El film, dirigido por Anne Sewitsky y de origen noruego, ha obtenido el Giraldillo de Oro a la Mejor Película de la Sección Oficial. El galardón tiene una dotación de 40.000 euros, destinados al distribuidor de la película en España.
Pero ‘Siempre Feliz’ no ha sido la única que se ha llevado su reconocimiento del SEFF'11. En la gala de entrega de premios, celebrada el pasado viernes 11 de noviembre en el genuino escenario del Lope de Vega, se entregaron un total de 16 galardones. El Giraldillo de Plata dotado con 20.000 euros ha ido a parar a ‘Si no nosotros, ¿quién?’ (Alemania), de Andres Veiel, en la que una pareja de estudiantes alemanes de los setenta, se pregunta que hicieron sus padres durante la dictadura nazi.
Dentro de la Sección Oficial ha habido más galardonados. El Premio Especial del Jurado ha sido para ‘El molino del tiempo’ (Polonia-Suecia), de Lech Majewski. El Giraldillo de Oro al Mejor Director ha ido a parar a Steve McQueen por ‘Shame’ (Reino Unido), una de las favoritas, y proyectada tras la entrega de premios. El jurado ha concedido el Premio a la Mejor Actriz a Nadehhda Markina por ‘Elena’ (Rusia), y a Bien de Moor, por 'Code blue' (Dinamarca). El Premio al Mejor Actor lo han recibido también dos intérpretes: Michael Fassbender, por ‘Shame’, y August Diehl, ‘Si no nosotros, ¿quién?.
El director del SEFF'11, Javier Martín-Domínguez, ha realizado un primer balance "muy satisfactorio" de esta edición mostrándose convencido de que "un año más el Festival ha vuelto a superarse". Martín-Domínguez también ha destacado la "calidad" y el "nivel" de las películas exhibidas: "algunas pasarán a la historia como obras maestras". El director del certamen tampoco ha dudado en resaltar la calidad de los cineastas que han visitado el festival. "La mera presencia de directores de la talla de Nikita Mikhakov y Amos Gitai es clara señal de la reputación que ha alcanzado el SEFF”.
